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Album

Foreign Body – Libertine: il desiderio come abisso

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Composto dal vocalist e sassofonista Hugh Potter, il chitarrista Nikolai Katepan, il bassista Thomas Koenig e il batterista Collin Thomas, i Foreign Body sono noti nell’underground di Brooklyn per la brutalità del sound e la crudezza dei testi. Il gruppo – figlio della teatralità dissonante dei Birthday Party e del nichilismo politico dei Chat Pile – ha scosso i nervi più sensibili dei propri ascoltatori, rivelando verità scomode sull’animo umano e sfociando spesso in una furia con picchi paranoici e brutali.

Foto di Leah Komos

Se l’EP di debutto autoprodotto Leave a Mark… Leave a Message (2022), attraverso le roventi chitarre che sembrano provenire  direttamente da una bolgia dantesca, incorpora il noise rock lacerato degli Unrest ed eredita l’edonismo degli Stooges – virando verso un punk‘n’roll senza peli sulla lingua – il primo album in studio in studio Fixed (Menora Recordings, 2023), registrato dal sound artist e ingegnere del suono Matt lbarra (Rectal Hygienics), mette in chiara luce un delirante tributo al rock misantropo degli Scratch Acid, nel quale viene delineato il ritratto della prigionia corporea, eterna compagna dell’uomo occidentale contemporaneo, schiacciato dall’ossessione del mito della virilità e smarrito in un mosaico di indecisioni quotidiane. L’album, tramite la fusione del decadentismo del movimento no wave newyorkese di fine anni Settanta con un immaginario masochista, permette al gruppo di far parlare di sé, seppur in una ristretta nicchia.

Foto di Charger of Leo

Pubblicato l’11 settembre dall’etichetta indipendente statunitense Brutal Panda Records, il secondo album in studio Libertine riprende il tema del libertinaggio sessuale e lo fa proprio sin dalla prima traccia, scacciando ogni tabù in merito. La breve introduzione alternative-noise “Strung Out” nel quale primeggia il distorto assolo di sax, eco delle migliori dissonanze di James Chance and the Contortions, si sposa con il grido disperato del successivo pezzo post-hardcore “White Lord of Hell”, una costante rincorsa all’eccesso più degradante. Se il mezzo-tempo punk di “Passed Around” è caratterizzato da una batteria nevroticamente pulsante, la rovinosa “Hind Legs” si distende su riff di sludge metal detonanti alla No Trend, gettati nel fondo del baratro e in preda all’isteria. Intanto l’aura ansiogena e le sonorità rarefatte di “Trophy” precedono l’anti-hit post-hardcore dell’intera tracklist, “When Sex Is Not Enough”: un flusso di coscienza che riversa un radicale disgusto per la prevaricazione del desiderio sessuale sul bisogno emotivo e psicologico, per l’illusione che il piacere fisico possa colmare un vuoto che appartiene alla sfera più profonda dell’intimità. Introdotto da batterie che riecheggiano le tribalità del post-punk più cavernoso in pieno stile Public Image Ltd., “Man Was Meant to Take Advantage” prosegue sulla medesima linea. La disturbante “Born for This” e l’energica “Libertines” rivendicano ancora una volta gli orrori della violenza fisica, accompagnati dal desiderio di controllo e dalla conseguente depravazione mentale. La chiusura “Beauty Is a Hammer” –  il titolo parla chiaro –  si focalizza sulla spietata ricerca della perfezione estetica, lasciandosi andare a un umorismo nerissimo.   

Protagonisti di un’inaspettata rinascita delle scomodità del rock underground, i Foreign Body si destreggiano con schiettezza e totale lucidità in un panorama di plasticità a buon mercato.

Andrea Arcidiacono

Pop/Rock, Recensioni, Album, Rock

ACQUE dei Radura, lo screamo tra poesia ed etereo

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La scena screamo/post-hardcore italiana è piccola ma estremamente fervente, fatta di appassionati e musicisti che danno vita a gruppi e collettivi capaci di tenere viva una comunità sempre pronta a lasciarsi sorprendere da nuovi suoni e stimoli.

Tra le realtà più riconosciute, con un decennio di attività ormai alle spalle, i Radura si confermano una delle proposte più interessanti dell’underground milanese. A cinque anni di distanza dal precedente Effetto Della Veduta D’Insieme, la band è tornata finalmente dallo studio con un nuovo capitolo della propria discografia.

ACQUE segna un ulteriore passo in avanti nel percorso del gruppo: il suono si fa più ricercato, la scrittura più matura, la resa complessiva più imponente. Un disco che non si limita a proseguire il discorso avviato con i lavori precedenti, ma lo spinge oltre, confermando una crescita costante.

Il sound di ACQUE si presenta come una lama morbida che accarezza l’ascoltatore, ma che lascia cicatrici, segni di una profondità e di un dolore legati a qualcosa che è stato vissuto, e che probabilmente non tornerà più.

Le chitarre e il basso restano distorti, ma si piegano ora a melodie più dolci, sempre nello stile che ha caratterizzato il gruppo. Lo scream, un tempo elemento centrale della scrittura della band, si ritira sullo sfondo, riemergendo solo in brevi squarci. A prendersi la scena è un cantato malinconico, sospeso, che affida il senso a testi eterei che, come l’acqua, sfuggono alla presa e non si lasciano afferrare del tutto.

Ci troviamo quindi di fronte a un disco più complesso, studiato e strutturato rispetto ai lavori precedenti. La presenza di featuring di peso (come quello di Jacopo Lietti dei Fine Before You Came in TEMPESTA) insieme all’uso di effetti chitarristici ricercati e a linee di batteria tutt’altro che scontate, testimonia una maturità artistica costruita passo dopo passo negli ultimi anni. ACQUE è un disco che quasi sicuramente rimarrà una pagina importante nella storia dello screamo italiano, per la sua imponenza poetica e sonora.

I Radura suoneranno il disco a Torino il 9 ottobre al Blah Blah.

Alessandro Ciffo

Recensioni, Rock

Pierpaolo Capovilla e i Cattivi Maestri: un devastante tifone in salsa noise

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«Si chiama adrenalina: la produce il cervello, è legale ed è potentissima.» 
– Pierpaolo Capovilla

Il 13 maggio l’Hiroshima Mon Amour ha ospitato i veneziani Cattivi Maestri, guidati da Pierpaolo Capovilla, storico frontman degli One Dimensional Man e de Il Teatro degli Orrori. Reduce dalla candidatura ai David di Donatello come Miglior attore non protagonista per “Le città di Pianura” di Francesco Sossai, Capovilla ha confermato sul palco il carisma che da anni lo rende una delle figure più riconoscibili della scena underground italiana. 

Ad aprire la serata sono i torinesi Avvolte (ex-Avvolte Kristedha), attivi da circa trent’anni e contraddistinti da un sound eterogeneo che incrocia post-punk ed electro-rock. Poi l’ingresso in scena dei Cattivi Maestri, che incendiano il palco con un’esibizione densa e visionaria, dove gli strumenti si fondono con la voce roca e teatrale del cantante. Insieme a lui Fabrizio Baioni alla batteria, Loris Cericola alla chitarra e Federico Aggio al basso ripercorrono i brani dell’omonimo album pubblicato nel 2022, lasciando ulteriore spazio al nuovo singolo “Dimenticare Maria”, uscito a marzo, abbinato con l’ironico art rock di “Per le vie della città”.

La presenza scenica di Capovilla, coronata da un irresistibile verve spoken, primeggia su tutto, ipnotizzando il pubblico attraverso le sue gesta e facendo di questi ciò che vuole. Tra la vampata noise di “Cassavetes” e la satira feroce di “Morte ai Poveri”, i Cattivi Maestri mettono in mostra un’identità sonora compatta, capace di imporsi con forza anche davanti agli spettatori meno avvezzi al loro universo musicale. 

La crisi inconscia di “Follow the Money”, la fragile malinconia di “Anita” e l’orazione funebre dedicata al militare Lorenzo Orsetti in “La città del sole” mostrano il lato più poetico e introspettivo di Capovilla: una scrittura capace di elevarsi, dando ritmo e profondità a ogni lirica, senza mai apparire fuori luogo. Di lì a poco, tra distorsioni e feedback incessanti, il concerto si arresta per dedicare un momento al ricordo del poeta abruzzese Emidio Paolucci, figura particolarmente vicina a Capovilla: detenuto per anni nel carcere di San Donato di Pescara, Paolucci è stato più volte al centro delle interpretazioni pubbliche del frontman, che ne ha portato in scena i testi in diverse occasioni.

 Il concerto si conclude sulle note di “Gesù Cristo o barbarie”, possibile frecciata alla conversione spirituale e artistica di Giovanni Lindo Ferretti (ex-CCCP, CSI, PGR). Subito dopo l’esibizione, Capovilla legge con intensità la Lettera ai mercanti di morte del cardinale Domenico Battaglia, noto testo di denuncia contro la trasformazione del dolore umano in profitto, definendo l’arcivescovo come una delle figure più sincere nel panorama cattolico contemporaneo.

I Cattivi Maestri danno vita a uno spettacolo intenso e sfaccettato, capace di alternare una viscerale furia sonora a momenti più taglienti e cantautorali. Un linguaggio espressivo che conserva intatta la cifra stilistica del frontman, profondamente radicato nella propria identità artistica.

Andrea Arcidiacono